Выставка шедевров в Эрмитаже

В 1989 году, при подготовке показа в залах Эрмитажа выставок в связи с его 225-летием было задумано организовать экспозицию особого жанра, отразить в ней многолетние дружеские связи Эрмитажа с музеями мира и показать шедевры живописи из крупнейших художественных собраний. В ответ на наши предложения большинство музеев охотно откликнулось предоставить произведения из своих коллекций. В итоге 13 музеев и галерей Европы и США прислали 32 полотна 24 выдающихся мастеров кисти.

Пожалуй, еще ни одна международная выставка не собирала в своем составе такое блестящее созвездие имен художников — Джорджоне, Рафаэль, Тициан, Вермеер, Рембрандт, Эль Греко, Веласкес, Рубенс, Гойя и другие. Представлены они были произведениями исключительными, даже легендарными по своей известности.

Рафаэль. Донна велата

При входе в Большой зал Зимнего дворца посетитель оказывался лицом к лицу с висящим на центральном щите полотном Рафаэля «Донна велата». Покрывало (il velo) — знак замужнего положения женщины, спускаясь с головы модели, мягко окутывает плечи. Она смотрит на зрителя кротким и величественным взглядом. Никакие эпитеты не могут охарактеризовать живую трепетность и теплоту кожи, цветовые переливы ожерелья из оправленного в драгоценный металл янтаря. Не просто мастерство и талант, а какое-то небывалое вдохновение водило кистью, передавшей игру отделанного золотистой тканью пышного и как будто шевелящегося от перебегающих теней рукава. Неизвестно, является ли эта картина портретом в буквальном смысле или неким собирательным образом, в котором исследователи видят сходство то с «Сикстинской мадонной», то с «Фригийской сивиллой». Сам же Рафаэль писал когда-то своему другу писателю-гуманисту Бальдассаре Кастильоне: «...Чтобы написать красавицу, мне надо видеть много красавиц; ...но ввиду недостатка... в красивых женщинах, я пользуюсь некоторой идеей... Имеет ли она в себе какое-либо совершенство искусства, я не знаю, но очень стараюсь его достигнуть».

А. Дюрер. Портрет молодой венецианки.
Масло. 1506. 35 х 26.

Одним из поклонников Рафаэля был его современник, основоположник немецкого Возрождения Альбрехт Дюрер. В знак восхищения он прислал итальянскому художнику автопортрет, исполненный гуашью, высоко оцененный Рафаэлем. На выставке Дюрер также представлен как портретист. «Портрет венецианки» по праву считается лучшим женским изображением в его искусстве. От рыжеволосой девушки веет свежестью, здоровьем, дерзким обаянием молодости. Юношеская мечтательность взгляда выразительно оттеняет решительность плотно сжатых полных губ. Здесь чувствуется характер и яркая индивидуальность, подчеркнутая контрастом матовой белизны кожи, рыжим и красноватым оттенком волос и платья на черном фоне. Портрет создан Дюрером в 1505 году во время его второго пребывания в Италии.

В немецком портрете Возрождения конкретное, индивидуальное преобладает над тяготением к гармоническому идеалу. Об этом свидетельствует представленный в экспозиции «Портрет Генриха Благочестивого», созданный современником и соотечественником Дюрера Лукасом Кранахом Старшим. Это пример типично немецкого, так называемого «головного портрета», в котором все внимание сосредоточено на передаче характерных особенностей лица, а фигура и одежда условны и декоративны.

Сын саксонского герцога Альбрехта Мужественного вошел в историю как Генрих Благочестивый, так как еще в молодости совершал паломничества к святым местам, а став герцогом, проводил реформацию в Дрездене. Холодный взгляд светлых глаз, угрюмо сжатый рот и движение рук, готовых вытащить меч из ножен, недвусмысленно говорят, что в своей борьбе за веру он не останавливался ни перед чем это, впрочем, вполне соответствовало духу эпохи.

В Дрезденской галерее хранится парный портрет супруги герцога Катарины Мекленбургской. Часть изображения меча Генриха видна на портрете его жены, там же подпись и дата. Скорее всего, первоначально обе фигуры были написаны на одной доске в виде супружеской четы, а впоследствии разделены при переводе с дерева на холст.

Продолжая рассказ о выставке, мы должны совершить прыжок длиной в столетие, чтобы обратиться к двум шедеврам, принадлежащим кисти великого испанского художника Эль Греко (Доменикос Теотокопулос), работавшего в эпоху Филиппа II. Эрмитаж и его посетители уже не в первый раз видят его картины. В музее экспонировалось «Моление о чаше» из Толидо (США), показанное в отдельном зале и с восторгом встреченное публикой.

Эль Греко. Христос в доме Симона фарисея.
Масло. Около 1610 — 1614. 143,3 х 100,4.

Теперь же представилась редкая возможность видеть сразу два полотна этого мастера. Это знаменитый «Лаокоон» и «Христос в доме у Симона фарисея». Во втором полотне проявилось характерное для работ последних лет жизни художника (1606 — 1614) усиление выразительности локального цвета: лимонно-желтого, пурпурного, зеленого, синего. Это особенно заметно при сравнении с более ранним «Лаокооном». Он почти монохромен, тогда как «Христос в доме у Симона» может показаться более дробным из-за обилия ярких пятен одежды и динамически разнообразной характеристики персонажей. Но картина объединена уравновешенной композицией, в основе которой лежит овальная форма стола. Сюжет заимствован из Евангелия от Луки. Симон фарисей удивлен тем, что Христос принимает почести от блудницы (на картине она льет мирру из алебастрового сосуда на его волосы). Христос же отпускает женщине грехи, говоря: «Вера твоя спасла тебя: иди с миром». Художник задумывается здесь над проблемой христианского всепрощения. А в «Лаокооне» звучит протест против подавления насилием стремления к истине.

Рембрандт. Автопортрет.
Масло. 1659. 84 x 66

К художникам, размышляющим о значительных нравственных проблемах, наряду с Эль Греко относится и Рембрандт. На «Автопортрете» перед нами 53-летний мастер, уже прошедший нелегкую жизнь. Пережив богатство, успех, популярность, он потерял все это. Его уже официально объявили банкротом, а в 1658 году незадолго до создания автопортрета состоялся аукцион принадлежащих ему рисунков и гравюр. На посетителя смотрит лицо, полное скорби, достоинства и благородства. Резкая морщинка на переносице, нервно сжаты руки. В глазах боль и печаль, но нет в них ни обиды, ни озлобления на судьбу или людей.

На выставке можно было увидеть еще одну работу великого голландца — «Похищение Ганимеда» из Галереи старых мастеров в Дрездене, созданную им в пору молодости. Всем известен, наверное, античный миф о сыне троянского царя и нимфы Каллиро и прекрасном юноше Ганимеде. Сам Зевс был пленен его красотой и, превратившись в орла, унес его на Олимп, где сделал виночерпием на пиру богов. Рембрандт, получивший классическое образование, прекрасно знал латинские тексты. Чем же объяснить, что на полотне юный античный красавец превратился в толстого, отчаянно орущего мальчишку, к тому же пустившего от ужаса струю. И это на фоне неба, написанного с патетической торжественностью барокко, так неожиданно контрастирующей с бытовой приземленностью образа. Очевидно, художник не удержался от соблазна поместить рядом великое и смешное, представив собственную ироническую трактовку часто использовавшегося в живописи XVI — XVII веков сюжета.

Ян Вермеер Делфтский. Молодая женщина, пишущая письмо.
Масло. 1665 — 1666. 45 х 39,9.

Можно уже сейчас, по упомянутым выше произведениям, судить об уровне выставки. Вот философская, полная спокойствия и гармонии композиция «Аркадские пастухи» основателя французского классицизма Никола Пуссена. Или полотно Яна Вермеера Делфтского «Молодая женщина, пишущая письмо», залитое волшебным золотистым светом, заставляющим обыденные предметы играть самыми красивыми гранями: работы этого мастера не представлены в музеях нашей страны. Невозможно не отметить натюрморт Шардена «Банка с оливками» из Лувра, высоко оцененный Дидро, увидевшим его в парижском Салоне 1763 года: «Он — тот, кто чувствует гармонию красок и рефлексов». Перед нами картины Ватто, Буше, почти акварельный по нежному колориту эскиз Тьеполо... Трудно, очень трудно выбрать лучшие из лучших.

Вот портрет, который позволяет говорить одновременно о двух знаменитых людях своей эпохи — о крупнейшем английском живописце и теоретике искусства сэре Джошуа Рейнолдсе и английском писателе Лоуренсе Стерне. Трудно сказать, кто кого больше прославил этим портретом — художник писателя или писатель художника. Работа была закончена Рейнолдсом в апреле 1760 года.

Д. Г. Россетти. Прозерпина.
Масло. 1847. 126 х 60,9.

Еще один англичанин, работ которого нет в советских музеях, является одновременно художником и поэтом. Это вдохновитель прерафаэлитов Данте Габриэл Россетти. В правом верхнем углу его эффектного полотна «Прозерпина» помещен сонет на итальянском языке, раскрывающий смысл композиции. Античный сюжет повествует о несчастной судьбе дочери Юпитера и Цереры, похищенной богом царства мертвых Плутоном. Она нарушила запрет отца и попробовала зернышко граната, за что обречена была вечно возвращаться к Плутону. Моделью послужила Джейн Берден — жена друга Россетти, художника Уильяма Морриса. Страстная любовь, связывавшая ее и Россетти, делала историю Прозерпины особенно близкой художнику. Здесь проявилась склонность мастера к аллегории. Плющ на стене — символ цепляющейся за прошлое памяти. Текучая линия, утонченность колорита, четкость контура являются предвестниками стиля модерн.

После разговора о выразительной линии интересно обратиться к картине, в которой ни одной линии нет. Это «Заход солнца над озером» Уильяма Тернера, также англичанина и старшего современника Россетти, работ которого нет в Эрмитаже. Тернер начинал как профессиональный рисовальщик. Однако творческие-искания постепенно приводили мастера к более широкому и свободному мазку. Эффект этого пейзажа, написанного в поздний период творчества, заключается в том, что мазок и цвет на полотне чудесным образом воспринимаются как свет, в котором растворяются предметы и их контуры, но возникает ощущение мгновенного состояния природы, когда в лучах закатного солнца сливаются воедино небо, вода и земля. Творчество Тернера не имело себе подобного в живописи первой половины XIX века.

Пейзаж «Канал в Гравлине. Вечер» написан ровно на 50 лет позже французским художником Жоржем Сёра, который, решая, в сущности, ту же задачу — создания сиюминутного ощущения природы, отказывается от импрессионистического метода и добивается эффекта с помощью мелких мазков, имитирует мерцание насыщенного влагой воздуха.

Еще одна картина, представленная на выставку Музеем современного искусства в Нью-Йорке - «Спящая цыганка», создана, как и предыдущая, в самом конце XIX века. Она принадлежит непризнанному при жизни, самобытному французскому художнику Анри Руссо, сочетавшему наивную неуклюжесть народного искусства, основательное знание живописных шедевров Лувра и тонкое поэтическое проникновение в мир создаваемых образов. Это, наверное, самое загадочное произведение Руссо. Фигура спящей цыганки производит впечатление положенной на песок статуи из черного дерева, одетой в полосатое платье. Зловеще блестит на лице ряд белых зубов, в негнущейся руке сжата палка.

П. Боннар. Комната для завтрака.
Масло. Около 1930 - 1931. 160 х 114.

Французская живопись XX века представлена одной картиной-полотном Боннара «Комната для завтрака», соединившим в себе натюрморт, пейзаж и портрет. Кажется, что в нем отражен взгляд, брошенный через дверь, или мимолетность кадра, в котором мелькнула поверхность стола, сад в окне и входящая фигура.

Организация выставки оказалась возможной благодаря дружескому отношению музеев и галерей мира к Эрмитажу и является данью уважения к его Истории и замечательным коллекциям. С большинством музеев, представивших картины, Эрмитаж имеет прочные связи и неоднократно обменивался выставками.

М. Гарлова

Материал подготовлен в сотрудничестве с порталом Smalti.ru - Вдохновение, творчество, искусство.